NOS RÉSIDENTS EN 2016

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LES RÉSIDENTS DE SEPTEMBRE À MI-DÉCEMBRE 2016

Hannah James
Vit et travaille à Glasgow, UK

Le travail de Hannah James traite de/des relation(s), nous avons avec nous-mêmes, avec les autres, les animaux et les environnements. Elle s’intéresse aux moments particuliers au sein desquels les rapports de pouvoir, de contrôle et de manipulation sont questionnés : des moments qui donnent lieu à des situations de confiance et de vulnérabilité. Comment les identités sont formées, perçues et contestées ? Tels sont les intérêts que l’on retrouve au sein de ses travaux de recherche et de production. Hannah James explore ces préoccupations à travers son discours théorique, par des sujets tels que la phénoménologie de la perception, les structures pédagogiques, les relations entre les sexes, les animaux domestiques et captifs et les activités concurrentielles. Ces idées sont rendues visibles à travers la sculpture, l’installation, le film et le texte.

Elle est diplômée de l’Institut Piet Zwart (Rotterdam) en 2014. Ses expositions récentes incluent : Chaque femme est un animal, l’Arboretum, Rotterdam, 2016 (personnelle) ; Heads, Pracownia Portretu, Lodz, 2016 (personnelle) ; Left Hand à dos de la tête, objet tenu contre la cuisse droite, le Bluecoat, Liverpool, 2016 ; Hybrides, Céline, Glasgow, 2016 ; Tu ne peux pas voir comment ces gros escargots sont ? Chert, Berlin, 2015 (personnelle) ; Hou la la! Tisser ? Saisie des (sous) Textiles, Kunstlerhaus, Graz, 2015 ; Le Musée de la Reddition Inconditionnel, Tente, Rotterdam, 2015 ; briser Une peau, le tissage Un sens, Cole, Londres, 2014 (personnelle). Hannah est représentée par Chert, Berlin. www.chert-berlin.org

Hannah James, vue d'atelier, novembre 2016

Hannah James, vue d'atelier, novembre 2016

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Matthew McQuillan
Vit et travaille à Londres, GB
matthewmcquillan

Ayant recourt à l’écriture, la performance et l’installation, Matthew McQuillan convoque tout à la fois des expériences personnelles et des matériaux trouvés. Il se concentre sur des éléments au caractère délaissé tel qu’un paysage d’ordures dans une rue de Los Angeles, un rejet à la va-vite sur youtube ou encore l’émotion d’une personne envers son animal de compagnie perdu. Ces éléments recèlent des sentiments ambigüs et parfois contradictoires, tels que le souci, l’anxiété, l’inertie et l’hystérie. L’artiste interroge les mécanismes mis en jeu par ces affects dans nos relations sociales et personnelles. Sa pratique convoque souvent des situations et des scénarios où notre capacité à agir est momentanément suspendue, empêchée ou rendue flou. Ces dernières années, le travail de McQuillan s’est égalemetnt étendu à l’organisation d’expositions et d’événements thématiques, moyen supplémentaire d’explorer ses idées.

Né en 1982, (Bristol, Royaume-Uni), McQuillan est diplômé avec une maîtrise de l’Université Goldsmiths en 2010. Il est basé à Londres et enseigne actuellement à la London Metropolitan University. Parmi ses récentes expositions / événements sont inclus “A Public Resource”, Cubitt (à paraître, Londres, Royaume-Uni); “Bottom Natures”, GCP (Londres, Royaume-Uni); “Concerning the Bodyguard”, Le Tetley, (Leeds, Royaume-Uni); “Soft Evidence”, Legion TV (Londres, Royaume-Uni) et “ Winter Escape”, la maison commune, (Londres, Royaume-Uni).

Matthew McQuillan, Promissory Note, working image for forthcoming video, 2016.

Matthew McQuillan, Conférence en collaboration avec Rond-Point Projects, novembre 2016.

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Timothy Simonds
Vit et travaille à New York, US
timothysimonds.com

Dans un monde de phonèmes sans cohérence, l’articulation est quelque chose d’appliqué, qui ne se voit pas / auquel on ne s’attend pas / qui n’est pas fondé.
Mon travail apparait à des moments perdus entre l’égoïsme et l’altruisme. Je vois cet enchevêtrement comme jouant un rôle non seulement dans mon propre être et le soin pour les autres, mais aussi entre les individus et les institutions, et au sein des cultures architecturales, de la nourriture et de la santé. Je crée des objets, mets en place des scénarios, et performe des textes qui traitent de l’objet, du corps, de l’espace et de la langue écrite comme interchangeables afin d’illustrer le désir de se soucier et de se contrôler soi-même et les autres. Je tends à questionner l’image de marque du bien-être, les méthodes d’entretien du corps et les relations dans l’éducation des enfants. J’utilise les matériaux et les images qui apparaissent homogènes, tels que les viandes transformées en charcuterie, les après-shampoings, la litière pour chats, les céréales Grape-Nuts ™, la graisse de bébé, l’aluminium et les pommes de terre.

Tim Simonds a obtenu son master en Performances Studies (2013) et une double licence en Architecture et en Performances Studies (2011) à l'Université de Brown. Au cours de ces dernières années, il a enseigné la théorie et l'écriture du design architectural et de la sculpture aux étudiants de la Pratt Institute. Ses expositions individuelles, collectives, performances et collaborations comprennent : In Corners à Cathouse FUNeral (2015); limb à Water Street Studio (2014); House of Orange, organisé par Wilma Projects (2016); High Density, Oblique Function, par la commissaire d'exposition Tabitha Piseno à Proxy (2015); Losing Oneself Without Getting Lost, mise en place par Jordan Carter à A+E Studios (2015); MYMEOGRAPH and Deux Vacances, dans le cadre de Transient Theme, un opéra d'un mois réalisé par Bethany Ides au Knockdown Center (2014); et And Learn to make a body of a Limb, une performance accueillit par l'installation Gymnasia 4:00 AM, par Goldberg/Hertz/Peters/Schrader, au Cleopatra (2013). Il a également partagé ses essais critiques tels que “The Limbs of Language : Prepositions as an Architectural Medium”dans le cadre du symposium Embodying Cognition (2016) à l'Institut Pratt, “Parts of Speech” (2015), lors d'une conférence donnée à l'Ecole Polytechnique Fédérale de Lausanne,“The Burrow: Architecture as the Medium of Passing” dans le cadre du symposium Performing Philosophy (2014) à l'Université Brown, et“The Architecture of the Burrow”dans le cadre du symposium Performing Architecture (2012) à l'Université de Princeton.


Timothy Simonds, vue de l'atelier, novembre 2016.


Timothy Simonds, vue de l'atelier, novembre 2016.

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LES RÉSIDENTS DE AVRIL À JUILLET 2016

David Perreard
Vit et travaille à Paris, FR
www.davidperread.com

David Perreard réalise de courtes vidéos, qu’il met en scène à la manière d’un marionnettiste.
Les narrations qu’il compose prennent leurs sources dans les scènes du quotidien dont on pourrait être le témoin inopiné. Au milieu de ces situations familières et identifiables, les techniques s'hybrident et les règles semblent être sabotées. Une voix de femme sous alcool, sur carcasse de manga japonais - une Youtubeuse, magicienne l'air de rien - piégés dans une Bar Mitsva infernale. Chacun prend conscience de son mode d'existence et tente d'exister. Pas toujours facile de cohabiter quand l'ensemble forme un mutant. Les personnages cherchent leur place, les images aussi et cette hybridité instable, annonce avec humour un chaos presque imminent.

Né à Paris en 1990, David Perreard est diplômé de la Villa Arson (Nice) en 2015, après un passage à la FAMU (école supérieure de cinéma de Prague) en 2013. Son travail a été présenté lors d'expositions collectives à Paris, ou Nice (la Villa Arson, la Station, le Dojo) ou bien lors du festival Videoformes (Clermond Ferrand). Il présentera un projet collaboratif « SAGA » en collaboration avec Rafaela Lopez et Baptiste Masson lors de la foire Artorama en aout 2016.

David Perreard, vue d'atelier, crédit photo © David Perreard.

David Perreard, suivi de résidence, crédit photo © Triangle France.
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Davide Stucchi
Vit et travaille à Milan, IT
www.davidestucchi.com

La recherche de Stucchi se consacre sur l'exploration de la "matérialité" de l'oeuvre d'art avec un intérêt pour les stratégies de vision qui permet de renverser le sens de l'objet. Stucchi se définit comme un "sculpteur" même si une grande partie de sa pratique se déroule comme des interventions minimales : gravure de cuir avec du feu; façonnage avec des spaghettis; accumulation de poussière, etc. Toutes ces interventions, d'une manière ou d'une autre, évitent toute possibilité d'acheminement du travail par le biais des canaux traditionnels comme par exemple la documentation photographique. La pratique de Stucchi ne cesse jamais de surprendre grâce à l'utilisation d'auto-référentialité et de significations secrètes, brouillant les frontières entre le spectateur, le travail, le sens et les différents contextes de référence dans lequel il s'inscrit.

Il a obtenu son diplôme à l'Académie des Beaux-Arts de Brera de Milan en 2011. Il a été invité en tant qu'étudiant à l'Académie royale des Beaux-Arts d'Anvers en 2010. Récemment, son travail a été présenté au Taylor Macklin à Zurich, avec un spectacle intitulé What’s left unsaid, says it all organisée par la curatrice Mattia Ruffolo, au Pavillo Sant 'Ilario à Gênes avec NENA et curaté par Francesco Garutti, et ainsi qu'au Musée MACRO à Rome avec Oggetti traditi. Il a également été présenté dans de nombreuses expositions collectives telles que l'exposition Basic Instinct organisée par Attila Fattori Franchini au Seventeen Gallery à Londres, à l'exposition In Real Life curatée par Luca Lo Pinto et présentée à la Galerie Christine König à Vienne. En 2013, il a été en résidence à la Cité internationale des Arts de Paris et à Fondazione Pastifficio Cerere à Rome.

Au cours de sa résidence à Triangle France, Davide Stucchi s'est consacré à la réalisation d'une sculpture en savon de Marseille, qui sera présentée lors du salon d'art contemporain Art-O-Rama 2016.
Nous remercions chaleureusement notre partenaire, la Savonnerie Fer à Cheval pour son soutien.

David Stucchi, vue d'atelier, crédit photo © Triangle France.
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Beny Wagner
Vit et travaille à Berlin et Maastrich, DE, US, IL
benywagner.net

Beny Wagner est un artiste et écrivain qui porte l'accent sur l'image en mouvement. Que ce soit dans le cinéma, l'écriture, la discussion grâce à la collaboration et à la performance, Wagner combine les choses à la fois trouvées et créés pour poser des questions sur les possibilités de formes narratives contemporaines et futures. Sa pratique s'intéresse aux intersections de la perception, de la langue et du matériel. Ayant grandi entre plusieurs cultures (Allemagne, Amérique, Israël), il est fasciné par la façon dont le langage façonne la perception collective. Il contemple les moments de transition dans les histoires de perception, dans les tentatives qui tentent de remettre en question et comprendre les représentation des structures contemporaines. Il évite les thèmes ouvertement politiques et se concentre plutôt sur les changements trouvés dans les histoires des matériaux, les processus de travail, et les modes de représentation. Son travail actuel se concentre sur la relation entre la digestion et la perception.

Beny Wagner (1985, allemand, américain, israélien) a terminé ses études au Bard College, New York, en 2008 avec un master en Liberal Arts. Il a exposé personnellement à l'international comme avec Pimport Projects (Berlin), Future Gallery (Berlin), Kleine Humboldt Galerie (Berlin), White Columns (New York) et a participé à des expositions de groupe, notamment à la Biennale de Venise, à Zürich, à New York, à Berlin, à Toronto, à Montréal, à Tokyo. Il a également participé à des workshop avec Harun Farocki (Rio de Janeiro), HIAP (Helsinki). Il est lauréat du prix Sol Lewitt ainsi que du Prix Nelson B. Delevan. Son travail a été représenté dans Artforum, Spike Magazine Quarterly, Frieze Magazine et Kaleidoscope Press.

Beny Wagner, vue d'atelier, crédit photo © Triangle France.

Beny Wagner, Eye Farm, FULL HD video, 23 min 38 sec, 2016
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LES RÉSIDENTS DE JANVIER À AVRIL 2016

Virgile Fraisse
Vit et travaille à Paris, FR
virgilefraisse.com

En écho à la démarche de l’anthropologue, le travail de Virgile Fraisse investit, par le film et l’installation, les protocoles de communication. Se faisant critique de stratégies néo-libérales, les films examinent les influences culturelles des relations transcontinentales ; par exemple, par l’image du déploiement d’un câble de fibre optique sous-marin (SEA-ME-WE, 2015), ou encore par la mécanique d’extension et d’absorption des modèles occidentaux (comme dans Situations Suivantes, 2014, par le processus d’américanisation de communautés sud-africaines). Dès lors, comment saisir les possibilités de contrer la colonisation des flux de circulation des images ? Sur le ton du pastiche, en parodiant les formats du film, qui deviennent alors des terrains de jeu, des playgrounds, des personnages incarnent tour à tour des positions contradictoires.
Poursuivant cette logique dialectique, et pensées in situ, des installations évoquant des gestes d’architectes, conditionnent notre accès physique à l’information ; installations sommant l’audience de prendre posture.

Né à Paris en 1990, Virgile Fraisse a étudié à Otis College (Los Angeles, 2013) et est diplômé de l’École Nationale Supérieure des Beaux-Arts de Paris avec félicitations du jury (2014).
Son travail a fait l’objet d’expositions collectives dont Wicked Problem, Friche la Belle de Mai (Marseille, 2016) ; 61e Salon de Montrouge (Montrouge, 2016) ; Les Réalisateurs, Galerie Paradise (Nantes, 2016), 8 plus ou moins 2, Galerie Mansart (Paris, 2016), LOOP Festival Discovery Award (Barcelone, Madrid, Johannesburg, Istanbul, Malaga, Rub i, Athènes, 2015-2016) ; Les Voyageurs, Palais des Beaux-Arts (Paris, 2015) ; Snake Road, Bolsky Gallery (Los Angeles, 2014).
Il est lauréat du Prix Video de la Fondation des Beaux-Arts de Paris pour son film SEA-ME-WE (part 1).
Virgile Fraisse prépare une série de vidéos pour l’exposition LABOR ZERO LABOR, Circa TV de Benjamin Valenza, Friche la Belle de Mai (Marseille, 2016). Il prépare également sa première exposition personnelle à Clark House Initiative, Mumbaï (Inde, 2016) et fera partie du prochain festival Hors-Piste du Centre Georges Pompidou (Paris, 2017).

Virgile Fraisse, Scénarios d'occupation, programme pour deux performances, 2016 .

Suivi de résidence de Virgile Fraisse, vue du tournage, Crédit photo © Triangle France
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Dan Walwin
Vit et travaille à Amsterdam, UK/NL
www.danwalwin.co.uk

Les œuvres de Dan Walwin prêtent une attention aiguë et viscérale aux détails et détritus, contenus dans l'intérieur hybride et potentiellement inconfortable des formes mal ajustées. Ces œuvres évoquent des associations avec la culture pop, la recherche scientifique et la fiction spéculative, tout en utilisant l'échelle et l'imitation comme moyen de structurer l'atmosphère au cours de la rencontre entre le spectateur et l'œuvre.

Dan Walwin (1986, Frome, UK) a étudié au Goldsmiths College à Londres de 2004 à 2007, et a été artiste résident au Rijksakademie van beeldende kunsten à Amsterdam de 2012 à 2013. Son travail sera présenté en 2016 dans l'exposition Inflected Objects #2: Circulation - mise en séance, De Hallen, Haarlem and Dorothea van Stetten Art Award, Kunstmuseum Bonn.
Il a personnellement exposé Winds au Cell project space à Londres, et Sun room au P/////AKT à Amsterdam en 2015. Ses expositions de groupes comprennent VISIO Next Generation Moving Images au CCC Strozzina à Florence en 2015; Marl Media Art Awards au Skulpturenmuseum Glaskasten à Marl en 2014; Out There - Video Art, New media & Photography on Landscapes in Public Space à Maastricht en 2014; Interzones au Wexner Center for the Arts, Ohio State University, Columbus en 2013; UTOPIA au Stedelijk at Trouw: Contemporary Art Club, Trouw à Amsterdam en 2013; et End Times à la South London Gallery à Londres en 2012.

Dan Walwin, vue d'atelier, Crédit photo © Dan Walwin

Dan Walwin, 2016, Crédit photo © Dan Walwin
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Lauren Hall
Vit et travaille à Glasgow, UK
lauren-hall.com

La pratique de Lauren Hall consiste à faire des expositions et à écrire. Elle propose des objets en supposant qu'ils aient tous des intentions; les expositions veulent du public, la musique pop veut être aimée, la myopie veut que nous regardions de près, les presse-papiers veulent être au centre de la terre. Les objets malades ou en bonne santé sont aussi importants que les objets qu'elle place elle-même ensemble, et ceux qu'elle a fabriqué commercialement.
Elle compte sur une auto fabrication hasardeuse et anormale afin de réfléchir à la mesure psychologique, aux produits bio-pharmaceutiques, aux activités de loisirs et à l'éducation musicale. Elle considère la culture comme une adaptation évolutive qui favorise l'empathie et renforce la cohésion sociale. Ses expositions tournent autour de l'observation, souvent en utilisant des lunettes 3D, des lentilles de contact et des jumelles d'opéra pour assister à la façon dont les humains prêtent attention.

Lauren Hall (née en 1983, Kitchener, Canada) vit et travaille à Glasgow and a reçu son Master à Glasgow School of Art en 2014. Ses récentes expositions incluent "That’s Genetic" (16 Nicholson St., Glasgow, 2015) ; "Life Like",Transmission (Glasgow, 2015) ; "Comfortably, Warm, Friends", dans le cadre de Glasgow International (2014) ; "Archive Fever!", Canadian Clay & Glass Gallery (Waterloo, 2014) ; "Superpositions" New Wight Biennial", UCLA, (Los Angeles, 2012). Elle exposera prochainement en 2016 à Voidoid Archive à Glasgow, et ESP à Toronto..

Lauren Hall, vue d'atelier, Crédit photo © Lauren Hall

Lauren Hall, Radical 200, 2016, Crédit photo © Triangle France